Chappie: Un niño grande

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Chappie

Lo nuevo del director sudafricano especialista en ciencia ficción llega a nuestras salas. Estamos hablando de Neil Blomkamp, quien ya nos trajo District 9 y Elysium. Vuelve a su tierra natal en esta narrativa de un futuro cercano. En este futuro, los sueños de Robocop son una realidad y la Policía ya cuenta con sus efectivos mecánicos, unos androides llamados Exploradores.

El creador de estos milagros sociales que han reducido considerablemente la tasa de crímenes en Sudáfrica es Deon Wilson (Dev Patel). El favorito de su jefa Michelle Bradley, interpretada por Sigowney Weaver, también se ha creado un enemigo dentro de su lugar de trabajo: Vincent Moore. En la piel de Hugh Jackman, este ingeniero y ex soldado ha creado un robot muy distinto, el Alce, un gigante del tamaño de un tanque operado por un humano en forma inalámbrica.

Y es que Vincent tiene una objeción moral a la inteligencia artificial. Pero sus intentos por comercializar a su creación no llegan a buen puerto: nadie quiere ser operador cuando ya hay robots que se operan solos. Un Hugh Jackman desde un lado diferente a cómo lo hemos visto en típicos papeles, estará a la espera de que Deon cometa un error para hacerlo caer. Y por cierto Deon no es un santo, sino que en paralelo a su trabajo oficial, intenta desarrollar una inteligencia artificial completa. Rechazado por su jefa, decide intentarlo de todos modos e instalarlo en un androide que acababa de ser descartado. Y así nace Chappie (Sharlto Cople).

Este robot se desarrolla como un niño, y ha tenido la mala suerte de ser adoptado en una familia conflictiva. Una pandilla ha elegido a Deon como blanco de un secuestro, incluyendo a su creación. Los miembros del grupo de rap Die Antwood se interpretan a ellos mismos, trayendo su banda sonora y su estilo ciberpunk de vestuario y escenografía, además de una moral más que dudosa. El pequeño niño robot se verá atrapado entre personas de diferentes mundos y valores que intenten educarlo a una velocidad inusualmente rápida: lo que a un niño humano le toma años, a Chappie le tomará días.

Es imposible no encariñarse con este personaje tan carismático e inocente como es Chappie, al igual que los personajes se hacen más y más cercanos a el. Desde un tono de comedia, plantea temas existenciales que dejaran al espectador reflexionando: ¿Qué significa estar vivo? ¿Qué es la conciencia? ¿Puede está trasladarse a otro cuerpo y vivir para siempre? Y por otro lado, ¿Puede la inteligencia humana ser aún más perjudicial que la inteligencia artificial?

Aunque contiene un tema susceptible de crítica social, si hablamos de robots policías como fuerza represiva, el director prefiere dejar de lado ese debate. Donde sí se mete es a debatir sobre los pros y contras de la inteligencia artificial, desde una perspectiva 100% a favor.

Punto a favor para la estética, la escenografía, el vestuario y la musicalizacion. No es el típico estilo blanco, azul, y estéril al que nos remite la típica ciencia ficción. Es suciedad, transpiración, crímenes  y malas palabras. Con momentos emotivos, aborda el tema de los peligros de la inteligencia artificial desde una perspectiva diferente a la que acostumbramos. Además, no deja de lado los momentos de acción.

Un punto para criticar es el poco tiempo que tienen en pantalla los personajes de Hugh Jackman y Sigowney Weaver. En especial está última, a pesar del potencial interpretativo  la actriz, queda en un personaje chato que lejos de reflejar debates internos, sólo está para decirles “no” a los demás. En menor medida pasa lo mismo con el personaje de Jackman, un hombre que parece ser sólo motivado por el instinto y el enojo más que por una verdadera objeción moral y científica.

De todos modos, la película muestra un equilibrio entre la acción y comedia más pochocleros con preguntas profundas que puedan dejar una reflexión al espectador. Y ese equilibrio es muy dificil de lograr, y el gran mérito de esta película.

“Avengers: Age of Ultron”: El gran desafío

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Algunas veces ciertos eventos cinematográficos vienen con un paquete de expectativas tan grandes que puede resultar intimidante. No sólo desde su cumplimiento en taquilla, sino en mantenerse fiel a un grupo de fans tratando también de crear nuevos. Y cuando las condiciones del lanzamiento de una película son tales, estar a la altura de estas expectativas se vuelve no sólo un desafío sino una obligación. Pero no se preocupen, “La Era de Ultron” pasó la prueba con honores, y Joss Whedon nos demuestra por qué es el amo supremo del Universo Cinematográfico de Marvel.

Sin dejarnos ni un momento de respiro, la película empieza desde bien arriba con una secuencia en la que los Vengadores buscan recuperar el cetro de Loki de las manos del Von Strucker. ¿Se acuerdan la escena post créditos de Capitán América y el Soldado del Invierno? Y enseguida nos introducen a las nuevas incorporaciones del UCM: los gemelos Maximoff. Es un gran mérito que cuando pensábamos que el equipo estaba cerradito con moño y todo, puedan introducir nuevos personajes. Y lo bien que lo hacen, con historia y emocionalidad pero sin que resulte excesivo, aplausos.

Por otro lado, también es mérito profundizar a los héroes que ya conocemos. Por primera vez, vemos más en su interior. Podemos escarbar bajo la superficie de sus orígenes, sus miedos, y todo eso que se esconde detrás de esa fachada de héroes. Y esto es especialmente notorio en Ojo de Halcón (Jeremy Renner), un personaje que siempre fue bastante secundario pero que ahora pasó a las grandes ligas. Lo mismo puede decirse de la Viuda Negra (Scarlett Johannson). Y esto es importante, porque no tienen películas individuales y nos merecemos saberlo todo de ellos.

Esta labor introspectiva de cada uno de los Vengadores viene acompañada por un tono general más adulto de la película respecto a la primera entrega. Gana en seriedad y le viene como anillo al dedo, vemos unos superhéroes más maduros y con conflictos internos. Incluso los miedos que nunca esperamos de Iron Man (Robert Downey Jr.), o los que todos conocían –pero nadie mencionaba mucho– de Hulk (Mark Ruffalo). Y hace todo esto sin perder el humor tan característico de Marvel. Si bien se criticó esto, es necesario oxigenar la tensión que nos trae sabernos en un planeta al borde de la destrucción.

Hablemos ahora del villano, Ultron (James Spader). Me incomodó un poco porque sus justificaciones son muy lógicas, al menos al principio. No es la primera vez que Whedon juega con la línea que separa los héroes de los villanos, pero esta vez se encuentra especialmente bien manejado. Crea picos de tensión que nos hace preguntarnos más de una vez cómo son las cosas. Uno puede hacer algo horrible con la mejor intención, ¿no? Eso es siempre intrigante. Y por supuesto no podemos dejar de mencionar al elefante en la habitación, el secreto mejor guardado de esta película: Visión (Paul Bettany). Con una introducción más que impecable y un poder apabullante, siguiendo con el mismo juego, estaremos gran parte del tiempo preguntándonos si Visión es bueno o es malo. Pero es sin duda es impresionante y dejará boquiabierto a más de uno.

El guión de Whedon no deja ni un solo cabo suelto ni peca de previsible. El tire y afloje en la línea entre buenos y malos le da un punto extra al compararla con otras entregas del UCM. Ahora hay temas que no están explicitados y la resolución se vuelve menos obvia por lo que fuerza al espectador a quedarse pensando un poco más.

Además, deja cada jugador en su posición para el próximo partido: “Infinity War” (2018 y 2019), que promete ser la convergencia entre todo lo que las diferentes entregas vienen anticipando. Como quien no quiere la cosa, ya vimos cuatro de las seis Gemas del Infinito, y es seguro que sabremos más de ellas antes de 2018. Pero no nos adelantemos tanto. “La Era de Ultron” superó las expectativas y dejó la vara muy alta para la próxima. Sencillamente es fantástica.

 

Luchar por dentro y por fuera

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“Deux Jours, Une Nuit”, lo nuevo de los hermanos Dardenne tuvo la inusual tarea de imponer la presencia de una película extranjera en una de las categorías principales de los Oscars cuando Marion Cotillard ganó su nominación a Mejor Actriz. Bien ganado el reconocimiento, esta película cuenta la historia de Sandra, una mujer de clase trabajadora que cuando vuelve de su licencia descubre que está al borde de perder su trabajo.

Sus jefes extorsionaron a los empleados para que voten: o despiden a uno (justo el que no esté presente), o todos se quedan sin su bono, una especie de aguinaldo europeo. Ella convence a su jefe de repetir la votación, y se encuentra con una difícil tarea: tiene el fin de semana para ir a ver a sus colegas y convencerlos para que cambien de opinión.

El planteo parece simple, pero son las interpretaciones la que lo vuelven complejo. Sandra acaba de terminar un tratamiento por depresión, y las malas noticias la hacen recaer. Así, vemos su lucha entre dejarse llevar por la desesperación o esforzarse por conservar su trabajo. Tiene momentos en que se desalienta y se bloquea, otros momentos de euforia; en un desafío interpretativo para la actriz. Incluso desde lo físico, basta ver cualquier foto de la actriz para reconocer cómo le cambia la cara al personaje que sufre de depresión.

Lo novedoso, además, es el hecho de retratar una enfermedad psiquiátrica como tal. Cuando estamos acostumbrados a que muchas veces las películas acaben romantizando la depresión, aquí se muestra con una crudeza hiperrealista que resulta impactante para el espectador.

Además, a este realismo ayuda la composición de los planos. El montaje no es tradicional, los planos duran mucho, e incluso algunas veces da la impresión de ser una cámara en mano. Esto no es casual, vemos a través de las cámaras cada movimiento sin cortar por más insignificante que sea, como tender la cama o poner la mesa. De este modo, nos sentimos invitados en su casa, en su auto, y somos testigos directos de la lucha de esta mujer consigo misma y con las circunstancias.

Por otro lado, tampoco se encuentra en un vacío social. Podemos ver su esfuerzo por preservar a sus hijos de la situación y una relación con un esposo amoroso pero desbordado. Este hombre, Manu (Fabrizio Rongione), resulta un punto de equilibrio necesario para el personaje de Sandra, dándole ese empujoncito cada vez que pierde el impulso.

Cada paso en el viaje de Sandra es representado por una persona con la que se encuentra. Cada uno de ellos muestra una postura diferente ante las mismas frases, algunos desde la indignación, otros desde el miedo o incluso la lástima. Componen personajes con los que podemos empatizar y otros que van a caernos muy mal. Es imposible incluso para nosotros como público ser indiferentes y no pensar qué haríamos en el lugar de cada uno.

Aunque es una película relativamente corta, dura sólo una hora y media, no le falta nada para ser una obra perfectamente acabada. Sin embargo, puede ser difícil para el espectador acostumbrarse a que el montaje refleje una lentitud visual. Tampoco tenemos música ambiental, sino que oímos lo mismo que los personajes. Pero superado este obstáculo, se convierte en una imperdible obra de arte sobre la condición humana, la solidaridad, la negociación, y la familia.

Novedades sobre el reboot de Spiderman

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El presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, habló en una entrevista con CraveOnline sobre Spider-Man, el nuevo superhéroe que se incorporará a su Universo Cinematográfico en Captain America: Civil War (2016) para luego protagonizar su propia película en 2017. En esta charla, Feige confirmó que el Hombre Araña del Universo Cinematográfico de Marvel será definitivamente Peter Parker (¡Basta de los rumores de Miles Morales!) y que será un adolescente de entre 15 y 16 años. La edad se debe a que quieren explorar muy a fondo los años de Spidey en la secundaria, a diferencia de las previas encarnaciones que hicieron que se egresara muy rápido.

“En estos momentos hay un chico corriendo por Nueva York con un traje casero de Spider-Man, en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM)… solo que aun no lo han visto”, nos emocionó Feige agregando que otros de los aspectos que explorarán a fondo en la nueva adaptación serán: A) Su interacción con otros héroes, algo que antes no se pudo hacer. B) Su sentido del humor e inteligencia: “Es muy, muy gracioso y muy, muy ingenioso cuando está dentro del disfraz. No es un comediante, obviamente, pero sí posee una energía nerviosa con la que molesta a los criminales. Estamos muy entusiasmados por explorar eso”.

Feige confirmó que no será nuevamente una historia sobre el origen del Hombre Araña. “El comienzo de Spider-Man ya fue narrado dos veces en los últimos trece años, así que vamos a dar por sentado que los espectadores ya lo conocen. Pero sí, con un gran poder viene una gran responsabilidad. Todo eso está adherido a quién es el personaje, pero queremos revelarlo de diferentes formas y pasar mucho más tiempo centrándonos en este chico de secundaria en el UCM, lidiando con sus poderes”.
Feige concluyó con breves detalles sobre el nuevo diseño de Spider-Man: “Ya diseñamos el nuevo traje. Es diferente a todos los anteriores. Aun así, creo que notarán que el nuestro sigue siendo el Spidey clásico”, concluyó Feige.

La felicidad en la búsqueda.

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Simon Pegg, el talentoso nerd responsable de escribir la trilogía “Cornetto” o de interpretar al Dr. Scotty en “Star Trek”, vuelve a deleitarnos con sus buenos dotes para la comedia en “Héctor en búsqueda de la felicidad”. Excepto que esto, no es seguro que sea una comedia ya que tiene elementos de drama, y muchos. Sin embargo, está película hace reír y emocionar en cantidades equilibradas.

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Basado en un libro de autoayuda al estilo de “Come, reza, ama”, cuenta la historia de Héctor, un psiquiatra que comprende que no puede hacer felices a sus pacientes porque no es feliz él mismo. Harto de su vida monótona y rutinaria, que su novia Clara (la nominada al Oscar, Rosamund Pike) sólo se empeña en hacer más monótona, Héctor decide emprender un viaje de investigación. Recorriendo los lugares del mundo que le parecen más exóticos con un anotador bajo el brazo, la idea es repetir a todos la misma pregunta: “¿Sos feliz? ¿Qué te hace feliz?”. De este modo, de China a Sudáfrica y hasta las playas californianas llenas de surfistas, este peculiar y excéntrico personaje irá anotando sus conclusiones sobre qué hace feliz a la gente, y a él mismo.

Aunque el planteo no es muy diferente a otras películas en las que el personaje emprende un viaje de descubrimiento, hay que darle el crédito por algunas novedades. Primero, que el objetivo inicial sea profesional y no personal, al menos en un principio. Es refrescante que él no se obsesione con su propia condición, esto lo libera de algunos prejuicios. Por otro lado, también es novedoso que Héctor no sea un personaje maduro, sino que actúa como un adolescente que se esfuerza por encajar, que no ha sido realmente auténtico en toda su vida.

En cada parada en el viaje, Pegg encuentra a grandes actores como miembros del elenco, que entran en escena por sólo un acto y luego se despiden de modo tal que los extrañamos. Vemos primero a Stellan Skarsgård como un banquero rico que asegura, aunque no muy convencido, que el dinero compra la felicidad. Quizá con esto coincida Jean Reno, convertido en el narcotraficante Diego Baresco, quien hace grandes negocios en África. Tony Colette, antigua novia de Héctor, tendrá una respuesta distinta; e incluso Christopher Plummer tenga otra al interpretar a un excéntrico autor de libros de autoayuda.

Con momentos de comedia, algunos bastante delirantes, y elementos de drama y suspenso, esta película nos muestra un cóctel correcto de géneros desde el romance hasta la aventura. Igual que el viaje de Héctor, el espectador atraviesa todas las emociones, hasta que llegamos junto con él a la conclusión de que todas son hermosas y apreciables. Por supuesto, no es el típico guión con buenos y malos, o con un marcado nudo y un clímax. Sin embargo, se las arregla para no resultar lenta ni aburrida, así que punto a favor.

Una película cálida, emotiva y divertida, con algunos elementos originales. El elenco está muy bien, aunque lamento que los personajes secundarios tengan poco tiempo en pantalla. Recomendada para que el mensaje llegue en su totalidad a un público adulto, sin embargo, los adolescente como Héctor también podrán disfrutar de ella.

Pistas para volver a casa: Viaje de redención

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Jazmín Stuart vuelve a la dirección, esta vez en solitario por primera vez en su carrera y detrás de la pluma de un guión protagonizado por un elenco de primer nivel. Erica Rivas, Juan Minujín y Hugo Arana están a la cabeza de este drama que resulta tanto divertido como emotivo. Con un estilo visual y narrativo que recuerda al cine europeo, Stuart cuenta la historia de una familia atípica: dos hermanos que casi no se hablan, una madre que los abandonó hace tres décadas y un padre que deja todo para ir a buscarla con resultados bastante distintos a lo que esperaba.

Dina (Erica Rivas) y Pascual (Juan Minujín) no tienen mucho en común, salvo que son hermanos. Ella es bastante devota, y él no. Él tiene hijos, y ella no. Ella trabaja, y él no; y un largo etcétera. Reciben un extraño llamado: su padre (Hugo Arana) ha tenido un accidente en la ruta en medio de la nada mientras viajaba buscando a la esposa que los abandonó sin motivo aparente. Este accidente lo ha dejado postrado en una cama y con ciertas lagunas en la memoria que hacen creer a los hermanos que está irreversiblemente gagá, más aun cuando les cuenta que ganó una importante suma de dinero y lo escondió en medio del bosque, pero no recuerda exactamente dónde, siendo su ex-esposa la única persona con esta información .

Los hermanos emprenden un viaje buscando o bien el dinero o bien a su madre, dos cosas que en definitiva no saben si existen. Se trata de un viaje de descubrimiento que se hace sin muy buena gana, como andando a ciegas. Habrá espacio para los reproches y para las confesiones entre dos personas que casi no tienen trato y ahora se ven obligadas a pasar todo el día juntos por varios días. Aunque sólo se llevan un año, descubren que las percepciones que cada uno tiene de sus padres y su infancia son diferentes hasta lo abismal. Haciendo uso de su sentido de aventura, se convierte en una búsqueda del tesoro (¿cuál?) en el que el viaje es indefectiblemente más importante que el destino final.

Los personajes están interpretados de la mejor manera posible, y son lo que le da vida a este guión. Sin actores que reflejen la transformación de los personajes, esta historia no tendría el menor sentido. Sin embargo, ambos logran divertirnos y conmovernos. Podemos ponernos en su lugar y tratamos de entenderlos como si se tratara de alguien que conocemos en la vida real. Es una historia sobre el amor fraternal, pero desde un lado que se corre de lo clásico: ni desde el afecto ni la rivalidad, sino de unas diferencias que los han llevado a distanciarse y luego a acercarse. Mención aparte para Hugo Arana, quien interpreta un personaje carismático, inocente y sobre todo divertido.

“Pistas para volver a casa” es una comedia dramática al estilo road movie que nos dejará pensando en nuestra propia familia, con un final que deja esa sensación cálida de esperanza pero sin caer en el lugar común de que todo salió perfecto y todos la tienen clarísima. Íntima e intensa, recomendable, dominguera, para ver en familia después de un asado.

El patrón, radiografía de un crimen: Esclavitud en el siglo XXI

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El director Sebastián Schindel abandona los documentales por primera vez en su carrera para ponerse al frente de su primer largometraje de ficción. Como no podía ser de otro modo, este relato está basado en hechos reales y no tiene escenario alguno: todo se muestra donde ocurrió. Un irreconocible Joaquín Furriel sorprende en un protagónico impecable interpretando a Hermógenes, un humilde peón de campo analfabeto que llega por primera vez a la gran ciudad buscando una vida mejor.

Sin mucha suerte, lo típico para un hombre que no tiene ninguna educación en absoluto, Hermógenes conoce a Armando (un genial Germán de Silva) y comienza a trabajar con él en su carnicería. Enseguida el encargado, un tal Latuada (Luis Ziembrowski) lo pone al frente de otra de las carnicerías que posee y le permite vivir en la pieza del fondo con su esposa. Hermógenes no podría estar más contento, encontró trabajo y vivienda. Pero las cosas con su patrón comienzan a complicarse, y no todo es tan ideal como él se imaginaba.

La narración alterna el pasado y el presente. El primero cuenta sobre la relación de Hermógenes con Latuada, un patrón cruel con piel de cordero que no tiene reparos en robarle abiertamente aprovechando su analfabetismo. Por otro lado, lo presiona para comercializar carne en cada vez peor estado. Es Armando el que como un macabro maestro le enseña a “defender” la carne para que igualmente se venda. El presente, por otro lado, tiene como protagonista al abogado Marcelo Di Giovanni (Guillermo Pfening) que se ocupa de defender a Hermógenes en un caso de homicidio. Y él comienza a preguntarse cómo es que un tipo tan tranquilo y sumiso ha asesinado a su patrón.

El guión, aunque ha sido escrito y re escrito varias veces a lo largo de doce años, cuenta una problemática muy actual: la trata de personas con fines laborales y cómo pueden quedar atrapadas en un sistema que los convierte en verdaderos esclavos. Tiene éxito por como funciona la relación antagónica entre el peón y el patrón. Ambos, Furriel y Ziembrowski hacen un trabajo excepcional. El trío se completa con Mónica Lairana, que interpreta a Gladys, la esposa de Hermógenes. Funciona como la voz de la razón, los ojos del hombre desesperado por salir adelante que le cuesta ver el maltrato que tiene enfrente. A su vez, aporta amor y ternura que funciona como el contrapunto a tanto abuso. Un trabajo impecable de los tres. 

Merece mención aparte la caracterización de la pareja para dejar a Furriel y Lairana irreconocibles. Si recordamos al galán de espalda ancha y ojos azules, vamos a sorprendernos cuando veamos a un flaquito sin un solo diente. Y no sólo se trata del aspecto físico, sino del notable entrenamiento vocal que los hace pasar por verdaderos santiagueños. Es interesante la decisión de tener un protagonista caracterizado cuando todo lo demás es tan realista. No hay decorados, todo se muestra donde ocurrió. Sin embargo, fue acertado. Furriel demostró que es mucho más que un galán de novela y la descoce en este papel. Nos identifica y nos conmueve, algo difícil y poderoso para que un actor logre; más aún cuando representa un lugar social tan lejano para cualquiera que se siente en una sala de cine.

La historia tiene poco de artificial, por eso quizá a algunos pueda resultarles lenta, pero queda bastante solucionado gracias a que intercale el pasado y el presente. El equipo del presente es algo más flojo, tanto Pfening como su esposa (Victoria Raposo) muestran una interpretación un poco más tibia que no llega al nivel del dúo antagonista. Pero no es importante, todo funciona muy bien. La calidad del guión y de las interpretaciones no deja casi nada que desear. De lo mejor que he visto en cine argentino últimamente.

Top 5: ¡Mujeres al poder!

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Este domingo es el día de la mujer  y nosotros también lo conmemoramos. En los inicios del cine, ellas tomaban un papel de damisela en apuros o directamente objeto sexual. No sólo delante de las cámaras, sino también detrás de ella. Es decir, ¿una mujer dirigiendo una película? Esas cosas sencillamente no pasaban. Pero pasaron los años la cosa cambió. No sólo la industria se dio cuenta del beneficio de que las espectadoras se sientan identificadas con los personajes, sino que también dieron cuenta de su talento. Ahora que vivimos en un mundo donde hasta la presidenta de la Academia es una mujer, hacemos un recorrido por las heroínas más espectaculares del cine de los últimos años. Fuertes, fieras, decididas. Badass.

Mystique

Prison_escape_mystiqueComenzamos con superheroínas, o no tanto. Mystique es un personaje del universo de los X-Men que apareció en el comic por primera vez en 1978, pero debió esperar hasta el 2000 para hacer su debut en el cine en “X-Men”.Esta mujer tiene el poder de cambiar completamente de forma a voluntad, y en sentido estricto es una villana. Pero vamos a escarbar un poco más en ella. Fue víctima del rechazo toda su vida, tuvo problemas de baja autoestima, y le costó un gran trabajo aceptarse a sí misma. En “X-Men: Primera Generación” la vemos criarse junto al Profesor X como hermanos, pero luego se distancia de él para ponerse del lado de Magneto por considerar su filosofía más afín. Desbordada por el rechazo y el resentimiento, se pasa la vida luchando contra los humanos y a favor de proteger a los mutantes. Incluso –en el comic– cuando da a luz a su hijo, se ve obligada a arrojarlo a un río y fingir su muerte para evitar un linchamiento por el aspecto azul del bebé. Si eso no te da derecho a sentirte resentido, no sé qué podría dártelo.

Hermione Granger

5Tjegb7GcLa más instruida bruja del cine no podía faltar en nuestro top five. Ella descubre a muy temprana edad que tiene magia y puede educarse en ella, aunque a muchos de sus compañeros de Hogwarts parece no gustarles la idea. Y es que ella es hija de muggles –gente sin magia–, algo conocido despectivamente como “sangre sucia”. Víctima de la discriminaciónde alumnos, profesores y directivos; decidió que la mejor manera de cerrarles la boca a todos era convertirse en la mejor. Es una estudiante superdotada y aunque parezca al principio hostil y fanfarrona, no tarda en demostrar su valor. Se enfrentó a un troll, a un basilisco, a dementores, reclutó un ejército y participó y sobrevivió al menos en cuatro batallas de la Segunda Guerra Mágica. Y como si con eso no fuera suficiente, después de la guerra volvió al Hogwarts para terminar los estudios que se había obligado a interrumpir. Aun siendo una “sangre sucia”, llegó a un puesto alto en el Ministerio de Magia. Les pusiste la tapa a todos, genia.

Katniss Everdeen

THE HUNGER GAMES: MOCKINGJAY -La protagonista de “Los Juegos del Hambre” tiene su lugar entre las heroínas femeninas. A sólo un paso de completar la franquicia de películas que ayudó a catapultar a Jennifer Lawrence a la fama, aun falta ver en cine lo mejor de Katniss. Sin embargo en las películas se endurecen un poco los rasgos de su personalidad cuando en realidad, gracias a la narración en primera persona, sabemos que tiene más dudas de las que aparenta. Ella era muy cercana a su padre, que le enseñó a cazar, quien murió en una explosión en la mina cuando ella tenía 11 años. Su madre cayó en una severa depresión que la dejó incapaz de hacer nada y Katniss se vio obligada a cazar para mantener a toda su familia. Aunque desarrolla un gran sentido del deber, nunca llega a perdonar a su madre.  Cuando participa en los Juegos, e incluso después de estos durante la rebelión, más de una vez debe detenerse a preguntarse qué está haciendo. No está muy segura de en quién puede confiar o en quién la usa, pero trata de hacer lo mejor para su familia y sus amigos sin preocuparse demasiado de ella misma. Y por eso es una verdadera heroína.

Viuda Negra

4414252-4322282-3992928-8109240285-29754¿Qué pasaría si te dijera que una humana normal es tan habilidosa que comparte equipo con un súper soldado y un dios? ¿Eso la convierte en heroína? En realidad no, porque los inicios de Natalia Romanova  fueron en el mundo de los espías y el crimen organizado. ¿Cómo es eso? Mucho antes de “Los Vengadores”, durante un ataque nazi a Stanligrado, un soldado salvó la vida de la niña y la adoptó. Fue gracias a él que se convirtió en aprendiz de asesina, y de paso, triunfó como bailarina en la URSS (esto quizá puede explicar el plano de las bailarinas en elteaser tráiler de “La era de Ultron”). Fue reclutada por la KGB en una misión contra Industrias Stark. Allí conoce a Ojo de Halcón y trata de embaucarlo para que la ayude contra el magnate Tony Stark. Pero las cosas salieron al revés y acabaron juntos en los Vengadores. La suya es una historia donde se ve obligada a hacer cosas de dudosa moral para sobrevivir. Sin embargo, hay espacio para el amor y la redención, evitándonos por suerte la historia de tiernas flores y corazones que esta asesina jamás tendrá. Porque se puede ser un súper héroe sin resignar una personalidad femenina, aplausos.

Beatrice Prior

divergent-tris-wallpaper-movie-1920x1200A días de saber más de ella en “Insurgente”, esta heroína no nos podía faltar. Bajo el apodo de Tris, es la protagonista de la saga de “Divergente”; en un mundo donde la población se divide en facciones según las habilidades de cada uno. Pero a la mayoría de edad se les permite elegir. Aunque Beatrice nació en Abnegación, una facción de una vida segura y tranquila centrada en ayudar al prójimo; decide desafiar todo lo que realmente conoce y convertirse en Tris en la facción de Osadía. Las reglas son diferentes aquí, se esperan en pruebas físicas los mismos resultados de hombres que de mujeres. De pronto una muchacha que jamás transpiró demasiado en su vida, debe enfrentar el miedo y esforzarse por estar a la altura. Pero además descubre que es divergente y que la divergencia debe ser eliminada, así que se preguntará si luchar o huir, viviendo constantemente al filo de la navaja. Es una historia de un crecimiento obligado por las circunstancias: adaptarse o morir. Aunque tiene bastantes inseguridades, con esfuerzo y trabajo duro logra no sólo superar las pruebas físicas sino también las psicológicas. Pero ¿qué pasará con ella en “Insurgente”, ahora que se ha ido de Osadía?

¿Quién creen que falta en nuestro top five? ¿Tienen alguna favorita?

Focus: Robo y Seducción

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Will Smith es Nicky, un experimentado estafador que lidera un grupo de ladrones de guante blanco de alto nivel. Conoce a Jess (Margot Robbie), una mujer que intenta ser criminal aunque no con mucho éxito, por lo que acaba adoptándola como una pasante en su humilde organización. Con una vuelta de tuerca a las típicas películas de este género, seguiremos los pasos de Nicky y su banda alrededor del mundo, desde Nueva Orleans y hasta nuestro Buenos Aires querido.

Lo novedoso es que los caminos de estos dos no siempre van juntos. No es una típica historia de maestro y alumno, y aunque parecen haberse tomado mucho cariño, Nicky despide a Jess cuando terminan el negocio con éxito. Esto la deja bastante resentida y con una buena lección también para el espectador: no le creas nada a Nicky. Así que estaremos toda la película preguntándonos cuánto de lo que dice es así, para acabar descubriendo la verdad de la milanesa en un final que nos deja boquiabiertos.

Cuando maestro y alumna toman caminos separados, vuelven a encontrarse en nuestro país para trabajar con Garriga (Rodrigo Santoro), el dueño de un equipo de Fórmula 1 hermosamente ambientado en el Autódromo de La Plata, que parece haber encontrado una muy codiciada fórmula para mejorar la performance de sus autos. Y ¡sorpresa! Jess resulta ser su novia. Ahora que ella aprendió a mentir y a estafar tan bien como Nicky, será una relación de tire y afloje en la que no sabemos quién tiene las de ganar y quién será el estafado o asesinado. Sin olvidar por supuesto que Garriga no es ningún ingenuo, y tiene pegado a su suspicaz guardaespaldas en todo momento, Owens (Gerald McRaney).

Párrafo aparte para las locaciones, que tienen la difícil tarea de mostrar nuestro país al mundo en pocos planos. Vemos mucho de San Telmo, el mercado de Defensa, la Avenida Alvear, Caminito, el microcentro, Recoleta, y varios hoteles cinco estrellas. Es un acierto que se haya mostrado la ciudad como es, sin afearla ni embellecerla en exceso, y convirtiéndola en una protagonista visual de la película. El único (y horrible) error de todo esto es haber convertido el Hospital Neuropsiquiátrico Moyano en un hospital normal, sin siquiera molestarse en sacar el cartel del plano. Además, se realizaron casting locales para cubrir roles secundarios. Por eso vemos, por ejemplo, un genial cameo de Juan Minujín como el barman en la fiesta de Garrida.

Los giros del guión y la dirección de fotografía se llevan todo lo mejor de esta película para despegarla de otras del género de gangsters o ladrones de guante blanco. Las interpretaciones son correctas, los personajes nos resultan divertidos y misteriosos en igual medida, sin descuidar la elegancia que caracteriza a esta banda de ladrones. Los directores Glenn Ficarra y John Requa, que vuelven a trabajar juntos, han sabido darle un ritmo rápido y variado como ya lo habían hecho en “Loco, estúpido, amor“, aunque no llega a ser confuso. Mantiene el misterio necesario para darnos intriga y sorprendernos al final.

Se trata de un blockbuster pochoclero, que tiene más de intriga que de acción, la dosis justa de romance sin resultar excesiva, y un ritmo veloz pero aun así relajado. Plus, es interesante ver una relación interracial en el cine, lo cual no ocurre tan seguido; de una forma muy desprejuiciada y natural. Divertida, inteligente e intrigante, para un buen rato relajado.

Unbroken: Una historia de vida

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La actriz y activista humanitaria Angelina Jolie se pone en el asiento del director por tercera vez en su carrera para traernos una biopic. Llevando al cine el best seller biográfico de Laura Hillenbrand, esta película cuenta la historia de Louie Zamperini (Jack O’Connell), un atleta olímpico que debutó en los Juegos de Berlín ’36 para luego ser convocado obligatoriamente a combatir en la Segunda Guerra Mundial. Sociable y amistoso, enseguida se hace amigo de sus compañeros de pelotón, en especial de Phil (Domhnall Gleeson). Mantiene el puesto de bombardero aéreo hasta que su avión se estrella en el océano y tres sobrevivientes pasan 47 días en el mar, sólo para ser capturado por los japoneses y llevado a un campo de concentración.

Vamos de a poco, hay mucha tela para cortar en esta historia. “Inquebrantable” es una historia de supervivencia, de una lucha por no rendirse. Al principio intercala la vida adulta de Louie con su niñez, adolescencia y su paso por los Juegos Olímpicos. Destaca la figura de su hermano, que lo ha animado a entrenar en atletismo. Sin embargo, mezclar esta historia del deporte con la guerra puede que no haya sido la mejor decisión. Crea unos anticlimax bastante fuertes, y probablemente hubiera sido mejor respetar la linealidad cronológica para marcar un “antes y después”. No tenemos demasiado contexto sobre dónde está el pelotón de Louie, pero funciona bien para transmitir lo poco que realmente saben los soldados sobre la guerra en general. De cualquier modo, el avión de nuestros héroes se estrella en el Pacífico.

Sólo Louie, Phil, y Mac (Finn Wittrock) sobreviven al choque. Este es el momento de brillar de Domhnall Gleeson. El entrañable Bill Weasley ha crecido, ya desde “Frank” viene demostrando que es un gran actor, y aquí se roba la pantalla. Su transformación física por el hambre es impresionante, superando por lejos la de O’Connell. Incluso comentó en el Huffington Post que bajó tanto de peso y el cuerpo cambió tanto que sus lentes de contacto no le entraban. Si no fuera por su excelente actuación, el tiempo en el mar sería excesivamente parecido a “Una aventura extraordinaria”, de Ang Lee. Después de mucho, son rescatados, pero es el enemigo quien los encuentra. Ahora nos enteramos que están en Japón, así que ambos amigos son separados y enviados a campos de concentración diferentes. A partir de ahora sólo sabemos de Louie.

En este punto la calidad de la película baja, ya que se torna repetitiva hasta lo insoportable. El némesis de Louie es el Teniente Watanabe (Takamasa Ishihara), apodado “El Pájaro”, un superior sádico que la tiene con él. Sin motivo aparente, porque el personaje no está desarrollado más allá de este punto, Watanabe parece divertirse torturando física y psicológicamente a Louie. Es el personaje más chato que he visto en mucho tiempo. La única emoción que conoce es la ira y todo lo que sabe hacer es ser sádico y repetir las escenas de tortura una y otra vez. Sabemos de reojo que Watanabe tiene un hijo, eso quiere decir que debe tener algún tipo de humanidad. Es una lástima que el personaje no se desarrolle y se quede en sólo una máquina de golpear. El Louie de O’Connell debería conmovernos, pero no lo hace. No llega al nivel de interpretación que sí ha logrado Gleeson.

Después de más de una hora entera en el campo de concentración bajo las torturas de Watanabe y francamente algunos bostezos, los aliados ganan la guerra. Todo el resto de la impresionante vida de Louie Zamperini se cuenta en placas que en su conjunto no llegan a los cinco minutos. Habiendo tantos nuevos e impresionantes datos para contar, ¿por qué se los ha despreciado así, en beneficio de una segunda mitad en exceso repetitiva? El resultado final hubiera sido mejor si se hubiera equilibrado el tiempo de exposición de los hechos. La historia es impresionante pero lamentablemente falla en la forma de ser contada. Hay mucho que no ha sabido aprovecharse tanto desde la interpretación como el guión, e incluso llega a aburrir. Una lástima que no se haya podido explotar el enorme potencial que tiene esta historia de vida.